日本平面設計的頂級榮譽：亀倉雄策賞歷年受賞者整理
1999 年至 2021 年，21 位受賞者（2006、2011 從缺）。
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1999 年至 2021 年，21 位受賞者（2006、2011 從缺）。
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以下資料主要參考自 JAGDA 官網。圖片如未特別說明出處，皆來自 JAGDA 官網。
為紀念日本平面設計的重要推手亀倉雄策，JAGDA 自 1999年起，從當年度 Graphic Design in Japan 年鑑的應募作品中，不問年齡與經歷，由評審選出最為輝煌、最能彰顯平面設計普遍性與革新性的一件作品，頒發「亀倉雄策賞」這項榮譽給其設計師。
JAGDA 每年會請會員投稿，分成包裝、海報、書籍、廣告、互動設計、環境設計等面向，請評審遴選出優秀的作品（評審也是由會員相互投票選出），彙編成 Graphic Design in Japan 的年鑑。同時，也會根據這些投稿的作品，去選出當年的新人賞（1983 年起）、JAGDA 賞（2008 年起）和本篇要介紹的亀倉雄策賞（1999 年起），另外也另外舉辦國際學生海報競賽（2015 年起收錄在另外的作品圖鑑中）。
每年年初（約2月）公布該年度的得獎者，這些作品除了收錄進年鑑外，也會舉辦各自的展覽。以 2019 年為例，亀倉雄策賞受賞展舉辦於 04.04–05.21，新人賞舉辦於 05.28–06.29，Graphic Design in Japan 展舉辦於 06.20—08.07，大致上是一個漸進的順序。2020、2021 年因受疫情影響，而時間上稍有變化，但原則上都是在該年的第二季到第三季之間舉辦。
以 2021 年為例，會從投稿給年鑑的 1804 件作品，第一輪先由 29 位評選委員分成幾個小組，選出幾件有共識的候選作品，再由全部的評審統一投票，選出進入到第二輪的 27 件候補作品。（會剔除已經受賞過的設計師的作品。同一位設計師的作品有2件入選也會選擇其中1件作為候補作品）
第二輪由 9 位評選委員每人 3 票選出最終的 4 件作品，然後再進行兩輪投票，選出最終的受賞作品。進入到第二輪的作品都有列出來。非常推薦看一下是哪些設計師入選。
圖源：http://rcc.recruit.co.jp/g8/exhibition/series/kamekura
如果喜歡日本的設計風格，非常建議挑幾個年份的年鑑來翻閱。年鑑比較貴（但在台灣買遠比在日本買便宜），在台北市想看的話，可以到薄霧書店和 Not Just Library 借來閱覽。有機會到東京，也可以在 ggg gallery 的二樓閱覽。
以下根據受賞的順序，放上受賞作品，並以我個人主觀選一個能代表這位設計師風格的作品。未來將陸續針對這些設計師，做子文章的介紹。
1930—2002。MUJI 無印良品的共同創辦人，也是早期設計風格的奠定者。透過幾何重構一個具象事物，但保有形體上的抽象性，這是日本後來許多設計師，都以各自的造型語彙在做的事情，而這樣的嘗試，在田中一光的設計作品中便已經可看見，因此多少可以說他是此風格的先驅。
1929—now。自 1980 年代起開始「LIFE」的系列創作，以動植物為主角，以不同的核心造型，和非常有力道的眼神為特點。「LIFE」系列的海報幾乎每一年都有入選年鑑。在《デザインの未来（台譯：日本設計大師力）》一書，永井一正提到這次系列的作品：
我將全然不同之物，透過拼貼之類的形式置於一處。從這個混沌當中卻顯現出了某些生命、訊息⋯⋯從那種看似奇幻、難以理解的，似曾相識又並非時存的曖昧不明，所發展出來的空間感與時間性。⋯⋯日本自古以來擁有更多的大自然的混沌作為發展文化的土壤。因此我們應該善用這樣的土壤⋯⋯（後略）
1958—now。網站。日本最具知名度的設計師，也是現在 MUJI 風格的奠定者。現任 Nippon Design Centor 社長。出版過多本設計論述集，詳盡地論述了設計與企業與社會的關係，非常值得一看。作品風格就如他的書《白》和辦過的展覽《subtle》一樣，清新、細膩、極度收斂。
1965—now。網站。得獎時才37歲，可怕。近年在定期在《デザインノート》（博客來、誠品）雜誌上做對談連載。在台灣有翻譯出版兩本書《可士和式》（絕版了哭）和《佐藤可士和的超整理術》（還買得到）。2021 年在国立新美術館舉辦個人大型展，上面有多支影片很值得看。特別的是，他也多少參與了空間建築的設計規劃，下面第四個類別，就以日清工廠、武田企業為例。另外還有他個人的藝術設計創作，因為是影片就放連結在這裡。
1933—now。未找到網站。1967 年起擔任資生堂《花樁》的藝術總監，直到 2012 年由澀谷克彥接任。這45 年的過程，將《花樁》推往日本企業刊物的頂點。《建構視覺文化的 13 人》一書有收錄他的訪談。
1964—now。未找到網站。除了受賞作《流行通信》外，也負責過《真夜中》、《here and there》與多本書籍的裝幀設計，雖然不能說是最早，但其以歪斜、幾何與線條為特色的排版，並且應用在通常排版較為穩重的書刊上，確實是此風格最具代表性的設計師。在《建構視覺文化的 13 人》一書中多次提到畢卡索、馬諦斯、保羅．克利等形狀線條怪異的藝術家，也提到了設計師早川良雄。
但只要是好作品，終究不會失去光彩。就算其中位置偏了一公分、有些文字歪了，作品本身仍具備不可撼動的堅韌和堅採。⋯⋯我覺得這也是一直放在我心裡的部分。 在這種時候接到了像《流行通信》這樣無暇思考細節的大案子。既然如此，不如把自己自己的弱點暴露出來吧。⋯⋯最好能抓住某種令人覺得痛快驚艷的感覺。希望連設計上不盡理想的地方，都可以成為魅力之一。
妻子是 Hisae Maeda，也是一位知名插畫家。
1931–2019。相較於同輩的許多設計師直到最後都還是不太會使用電腦，勝井三雄是最早就開始使用電腦的設計師。在還是相片製版的年代，漸層是比較難去實現與想像的技法，但透過電腦便可以開始模擬漸層的存在，能對色彩漸層有更全觀的想像。因此在他的作品中，色彩交錯與漸層是非常核心的要素。
評選委員認為沒有合適的作品。（厳正な選考の結果、「該当作品なし」という結果となりました。）
1940—now。在她的作品中，我感受到的是圖像本身的高度力量，排版則是退到後面。在下面這三個代表作中，他讓圖像佔據整個版面，文字則是適度地呼應圖像的感覺，但不過分顯眼。圖像則是避免過度明確的符號性，保留觀眾解讀詮釋的抽象空間（這方面可以與福田繁雄做一個比較）。
1955—。網站。和三宅一生與深澤直人共同策劃成立 21_21 DESIGN SIGHT，舉辦多項展覽，透過設計的力量，呈現日常生活事物不為人關注的一面。 雖然他在設計型式的表現上，可能不是最出眾的，但他很能掌握設計的力道，而且能轉化成大眾能理解的語彙，我特別喜歡 Rebuild 和設計解剖展的概念。在台灣有兩本著作出版：《鯨魚在噴水》與《塑思考》，前者主要分享他在設計案過程中的思考，後者則是對設計／風格的省思。
1972–now。網站。得獎時也是才37歲，超猛。於 2012 年與渡邉良重共同成立キギ（KIGI）。兩人後來也雙雙入選 AGI 會員。キギ 後來與 bluestract、丸滋製陶共同成立 OUR FAVORITE SHOP，並策劃多檔設計展覽。
1940—now。被稱作字神，不同於許多設計師是將文字視為造型來發揮，他則是對文字的淵源做了深度的考究。根據訪談，他在九〇年代為了研究中國雲南西藏一代的東巴文字，而與書法家石川九楊學習書法。在後續的許多作品中，都可以看見他充分利用書法的獨特造型性。雖然後期主要是文字設計的作品，但他在八〇年代與 Andy Warhol 和 Woody Allen 這兩位藝文名人大膽的廣告合作，也是日本廣告史上不容錯過的案例。桌球六段。
評選委員認為沒有合適的作品。（厳正な選考の結果、「該当作品なし」という結果となりました。）
1957–now。從仲條正義手中接下《花樁》的藝術總監職位，他將「花樁」、「資生堂 SHISEIDO」化為高度圖像的文字，某種程度上成為《花樁》獨特的識別，顛覆了傳統雜誌標準字的想法。包括他的廣島訴求海報在內，他的圖像性都給我一種異世界的感覺。
1959—now。網站。第一位受賞的女性設計師。作品常有著非常優雅的線條，顏色有著光線或是水一般的清澈感、而不只是顏料的感覺。這麼說我不確定是否適切，但我覺得她的作品有著多數男性設計師沒有的自然與生命感。
1949–now。網站。個人認為的日本藝術指導第一人。在「デザインの未来」展覽的對談裡，後藤繁雄將葛西薰的風格比擬為關西的清淡風格，相較於其它造型表現極強的設計師，葛西薰的海報，非常能掌握圖像與留白空間的關係。或許可以這樣說，他是透過「畫面上沒有的東西」來傳遞視覺訊息。
1972—。網站。原為 2020 東京奧運的識別設計師，但因法國工作室 Studio Debie 認為其標誌與他們為 Theatre de Liege 所設計的識別過於相近，引發爭議，進而導致東京奧委會決定重新遴選新的識別，後來由野老朝雄獲選。個人認為兩者只有形式上的相近，但一個識別系統重要的是「系統」與這個系統所展現的精神概念，兩者在此層面上差異甚遠。
1955—。網站。受賞作 Apple+ 的核心是以不同的角度，去觀察一個再平凡不過的蘋果，將其以新的符號重新建構出「蘋果」的形象。這樣的概念或許就是他本人對設計的詮釋吧？網站上也有專欄分享他經手的一些案件過程的思考。長期有和富山県美術館合作。
1961—。網站。第二位受賞的女性設計師。於 2012 年與植原亮輔共同成立キギ（KIGI）。兩人後來也雙雙入選 AGI 會員。キギ 後來與 bluestract、丸滋製陶共同成立 OUR FAVORITE SHOP，並策劃多檔設計展覽。
網站。早年在 Sony Music 工作，從那時開始與樂團明和電機合作。1997 年成立個人工作室。2019 年於台灣舉辦個人自選展，展出多件作品，其中包括在台灣最知名的單位展。作品風格非常強烈，幾乎都是由非常具個人特色的插畫構成主體，這些插畫中都會有一種「好像有什麼發生了」的幽默感。
1974—。網站。曾待過日本設計中心與原設計研究室（原研哉的工作室）。同樣擅長以幾何做識別，隱約感覺他很強調空間的幾何性。例如受賞作 Osaka Metro 就是以行進的列車構成 M 的符號，而換一個角度便可以看成是 O。作品中有很大一部分參與了指引系統的規劃，這可能也是為什麼他將受賞紀念展取名為「目印（標記）と矢印（箭頭）」的原因。
1974—。網站。受賞紀念展照片。作品的氣息與服部一成接近，但色塊感更為強烈，形狀則遊走在具象與抽象之間，這一點不知道跟念過武蔵野彫刻学科是否有關。台灣的忠泰美術館識別是由他所設計的，詳情可以參考此篇專訪。我個人非常喜歡他，在受賞紀念展的照片中，可以看出他非常強烈的幾何風格，幾乎貫串在所有作品中，即便是《英語で読む村上春樹》或《「旬」がまるごと》系列作品，仍可以看出他在字型與幾何上的有趣感。
1975—。網站。2015 年獲得 JAGDA 新人賞。大學唸的是「情報科学芸術アカデミー」，大概就是媒體科技藝術，因此作品有很強烈的科技感，很大一部分也是網頁互動的設計。
你覺得第 24 回的受賞者，哪一位日本設計師最有機會呢？我個人相當期待長嶋りかこ和上西祐理能夠在未來獲得肯定。前者的作品風格高度別於日本主流風格或是前面看到的任何一位設計師，有一種歐洲、前衛時尚的感覺，我尤其喜歡她對空間的掌握，不只體現在2D平面上，許多作品是以裝置、實體空間的維度來呈現。後者則是將攝影的力量發揮到極致，呈現出來的是一種動態的感受，她為擊劍與桌球世界錦標賽所設計的視覺，充分地展現了設計師如何不以具體形式表現來表現。
